me he decidido a hacer este blog depues de el cierre por el FBI de megaupload.para hacer de eco de esos blogs que han puesto en libre conocimiento de todos joyas de la musica que sin este medio no conoceriamos.puesto que internet tal y como lo conocemos parece que esta apunto de desaparecer y antes de la llegada de internet 2.0 se difundan estas obras que no encontraras jamas en tu tienda de discos.
MARCO ANTONIO ARAUJO nació en Belo Horizonte en 1949. En 1968 toco en un grupo llamado Vox Populi, que más tarde se convertiría en SOM IMAGINARIO. En 1970, y que ahora vive en Inglaterra, que solía ser un fan de bandas como: Pink Floyd, Led Zeppelin y GENESIS, que tendría gran influencia en su producción musical. En los próximos años, MARCO ANTONIO ARAUJO estudió guitarra y violonchelo en Río de Janeiro. En 1977, una vez más, en Belo Horizonte, se unió a la orquesta sinfónica y pronto (1980) su primer álbum, "Influencias" fue puesto en libertad. Con sólo seis pistas instrumentales, ya había logrado un increíble sentido del equilibrio y ha creado un estilo personal. MARCO ANTONIO ARAUJO es un clásico a la hora de prog brasileño, y también un artista muy recomendado para cualquier persona que le gusta tanto el rock sinfónico y el folk progresivo . Lamentablemente, Marco ha fallecido en enero, 07, 1986, a la edad de 36 de un aneurisma.
Children of God (1987) es el quinto trabajo de estudio de la banda neoyorquina Swans, aunque sea su verdadero comienzo, ya que es señalado por muchos como la refundación en el sonido del grupo, agregándole a su noise rock industrial melodías vocales y guitarras acústicas acercándolos más al post punk y al rock experimental.
El tema principal en las letras de Children of God es la religión. Satirizando varios aspectos de la misma con sus melodías repetitivas y escalofriantes, por momentos agobiantes y demasiado extrañas.
Por momentos los gritos de su líder se hacen algo inaguantables como en “Beautiful Child” y muchos tracks son mucho más extensos de lo que deberían, aún así encontramos algunas perlas como la siniestra “New Mind”, “Our Love Lies” que retumba como un coro de iglesia con la delicada voz de fondo de su vocalista femenina Jarboe, la cautivante “You’re Not Real, Girl” y “Blackmail” con la armoniosa voz de Jarboe y un lindo piano que la acompaña.
Children of God es un álbum conceptual que cuestiona la religión y la posibilidad de la existencia de dios. Una obra obsesiva, poco accesible, por demás compleja, experimental pero atrayente y majestuosa a la vez. Así y todo es uno de los discos más accesibles en la carrera de Swans. persimusic
Este álbum ve una gran cantidad de mejoras en el sonido de los cisnes. Todavía hay un montón de guitarra en voz alta, pero no es sucia y sin refinar como los primeros álbumes. Pero es hasta pesada, es decir, cuando es pesado. Ahora los Cisnes se están diversificando para explorar otras cosas.
Cisnes es música en el extremo, anteriormente fuerte, dura y pesada, pero ahora ese muro de sonido está rompiendo un montón, las letras son mucho más comprensible, pero siguen siendo igual de oscuro. Nunca tiene el sello de música extrema sido evidente tanto, aunque como en este álbum. La primera pista está en la pesada, metálico fuerte y como era de esperar, pero la segunda pista cantada por Jarboe es en el lado suave extrema. Yo no diría que es minimalista, pero es como un mundo completamente diferente, a excepción de las letras que siguen siendo oscuras. Este contraste continúa a través del álbum, con Michael Gira sobre todo llevando las pistas fuertes mientras Jarboe lleva las pistas más suaves. Si usted no ha oído la voz de Gira, imaginar una voz tan profunda y oscura como el vocalista de Bauhaus y luego bajar unos 5 muescas. Estamos hablando de "John Wayne" de profundidad. Así que su canto es realmente sin mucho de una melodía. Pero funciona aquí. Jarboe sin embargo, es más dinámico y tiene toda una gama impresionante, a pesar de que normalmente en este disco se queda dentro del mismo rango dentro de una canción. Yo estaba realmente sorprendido de lo bajo de su registro puede ir como en la canción "Blood and Honey".
En el pasado, los instrumentos eran bastante repetitiva, produciendo riffs pesados a todo volumen extremo. Me encuentro en este comunicado, los instrumentos siguen siendo repetitivo, pero ahora que el muro de ruido se descompone, se puede escuchar la banda de experimentar con nuevos sonidos y nuevos timbres. En este álbum, se obtiene apariciones sorpresa de una flauta, un oboe, una armónica, cuerdas y también te dan voces de fondo.
A pesar de que todo esto hace que el álbum suena más accesible que sus álbumes anteriores, créeme, no lo es. Esta es la música oscura y todavía es extrema, pero no tan fuerte como antes. Para apreciar la música de aquí, hay que hacer un compromiso para escuchar. Este álbum tiene que ver con el contraste, el contraste entre el bien y el mal, o tal vez, no es realmente un cambio en absoluto. Tienes que escuchar para obtener los matices de esta música, el brillo de la misma y esta apreciación no sólo viene en una escucha. Toma tiempo. Pero es bueno y es progresiva y es original. ¿Estás listo para ello? Esto no es progresivo de su madre y ella no va a salvar a usted una vez que haga clic en el botón "play". Este es uno de los álbumes del cisne lugar de interés, y recuerde no sólo no era nada por ahí que era así cuando salió, sobre todo en la música alternativa. Tengo que ir con 5 estrellas en esto, pero eso no quiere decir que sea para todo el mundo, así que ten cuidado Progarchives TCAT SWANS
Una estupenda intérprete para finalizar el verano.
Blossom Dearie (28 de abril de 1924 - 7 de febrero de 2009) fue una cantante de jazz y pianista estadounidense. Encuadrada en el bebop, Dearie se caracterizaba por una «distinguida voz aniñada.
Dearie nació en East Dirham, Nueva York, Estados Unidos. De niña estudió piano clásico, pero lo cambió por el jazz en la adolescencia. Al acabar los estudios secundarios, Dearie se mudó a Nueva York, para continuar su carrera musical. Aquí comenzó a cantar en grupos como los Blue Flames (con la Woody Herman Orchestra) y los Blue Reys (con Alvino Rey's band), antes de iniciar su carrera en solitario.
En 1952 se mudó a París, donde formó un grupo vocal, The Blue Stars. En 1954 el grupo consiguió un hit en Francia con la versión francesa de "Lullaby of Birland". The Blue Stars más tarde se convertirían en los Swingle Singers. Durante su estancia en París, conoció al que sería su marido, el flautista y saxofonista belga Bobby Jaspar. En su primer disco en solitario, publicado dos años más tarde, Dearie toca el piano, pero no canta.
Una de las canciones más conocidas de esta etapa es “The Riviera”, escrita por Cy Coleman y Joseph McCarty Jr. en 1956.
Dearie grabó sus primeros seis discos en América como cantante solista y pianista para el sello Verve Records la mayoría con un pequeño trío o cuarteto. Dave Garroway, presentador del programa Today, y uno de los primeros seguidores de Dearie, la invitó en varias ocasiones a su programa, facilitando así su difusión al público general. En 1962, graba una canción para un anuncio de radio para la cerveza "Hires Root". Como todo el mundo debe saber, el LP Blossom Dearie Sings Rootin' Songs fue lanzado como un objeto codiciado que podía ser encargado por el precio de un dólar y una prueba de compra.
En 1964, Dearie grabó su disco más conocido para el sello Capitol Records May I Come In?, grabado, inusualmente en ella, con una orquesta. Durante este mismo periodo Dearie interpretó frecuentemente en clubs donde pulió su estilo característico. En 1966, hizo su primera aparición pública en el londinense club Ronnie Scott's, donde pronto se convirtió en un número muy aclamado por el público. Grabó cuatro discos en Inglaterra, pulicados por el sello Fontana en los años 60.
In 1974, Dearie fundó su propio sello, Daffodil Records, que le permitió controlar totalmente la grabación y distribución de sus discos. Blossom apareció por televisión durante toda su carrera, especialmente con canciones para series educativas para niños, como Schoolhouse Rock! Muchas de sus intervenciones en estas series fueron compuestas por su buen amigo Bob Dorough, compositor y cantante de jazz. Se puede oír su voz en “Mother Necessity”, “Figure Eight” y “Unpack Your Adjectives”
Su voz peculiar y sus canciones fueron incluidas en las bandas sonoras de muchas películas como Kissing Jessica Stein, Mi vida sin mí, Una historia de Brooklyn y The Adventures of Felix. También grabó con algunos músicos, entre ellos Bob Dorough y Lyle Lovett.
Dearie continuó tocando y cantando en clubs. Como una de las últimas cantantes de clubs, siguió cantando y tocando en algunos números regulares en Londres y Nueva York, hasta el 2006.
Este grupo poco conocido se formó en 1968 en Cleveland, Estados Unidos, por primera vez bajo el nombre de SUNRISE. Más tarde, en 1969 se cambia como DRAGONWYCK, y su estilo musical se movieron hacia el rock progresivo. Su primer álbum fue lanzado en 1970 por sólo 85 copias, como una demostración LP. Musicalmente se combinan los elementos tanto de sonido psicodélico británico y americano, con tonos de metales pesados. El estado de ánimo de su música es oscuro y místico, y su sonido está dominado por la guitarra y Hammonds, Moogs y Mellotrons. La banda hizo un montón de giras a principios de los 70 y también se las arregló para lanzar un álbum con mayor cantidad de copias. Sus alineaciones variaron, pero keymembers en todos los discos son Tom Brehm tocando guitarras y Bill Pettijohn canto. Hoy en día sus versiones originales también están remasterizadas, y sus cosas puede ser recomendado para cualquier persona interesada de las bandas de rock psych oscuros. líder de la banda Tom Brehm reformó DRAGONWYCK con una nueva y más joven formación en 2006 y se embarcó en una pequeña gira europea antes de desaparecer de nuevo en la oscuridad . http://www.progarchives.com/
Pablo Und Destruktion no engaña ni desde los títulos de sus discos, gráficos exponentes de la extrema intensidad con que agarra sus canciones. Tras el aclamado 'Sangrín', llega aún más lejos en su tercer largo, donde se aferra a un sentimiento romántico que expresa con furia, sangre hirviente y un halo poético plagado de imágenes violentas. Siempre camaleónico, se transmuta ahora en una suerte de 'crooner' más vitalista que decadentista, una reensoñación asturiana de los mitos de Nick Cave y Serge Gainsbourg que canta entre guitarras electrizantes, pianos y arropamientos orquestales, poniendo toda la carne en el asador. Lleva la canción romántica al límite y evita tópicos, identifica la belleza de vivir con pescar cangrejos en el río y construye una impactante canción-río que define con lucidez el tiempo en que vivimos, 'Busero español', culmen de esta demoledora obra maestra.
Chris Squire, cofundador de la legendaria banda de rock progresivo Yes, murió a los 67 años a causa de eutroleucemia, una extraña variación de la enfermedad.
El músico británico, Es considerado uno de los 10 mejores bajistas de la historia.
Fue el único miembro del grupo YES que apareció en todos los álbumes editados por el grupo (miembro fundador con Jon Anderson, quien aparece en todos menos en tres).
Precioso disco del afamado guitarrista Enrike Solinis y el Euskal Barrokensemble , Música antigua y tradicional de las Vascongadas .
Maika Etxekopar voix
· Leire Berasaluze voix · Mixel Etxekopar voix Miren Zeberio violon · Sabin Bikandi alboka/txistua · Kiya Tabassian setar Rami Alqhai viole de gambe · Pablo Martin Caminero violone · Daniel Oyarzaba orgue Daniel Garay, Xavier Leturia, David Chupete percussion Daniele Carnovich basse · David Sagastume contre-ténor · Jesus García Arejula barytone Miguel Zeberio, José Luis Ferro, Pedro Aginaga choeur Asier Hernández Landa, Teresa López de Munain, Vicente Gavira récit Enrike Solinís :vihuela, lavta, luth, théorbe, guitare / Directeur Artistique
1. Kontrapas Bernart Etxepare / Herrikoia
2. Perutxoren Kantua Gaspar Gómez (1536) / Trad.
3. Sibilaren Profezia Joanes Etxeberri (s. XVI) / Chant liturgique
4. Aragueako Petrika Traditionelle
5. Janzu Janto Cancionero de Palacio (c. 1500)
6. Zure begiok nekusenean Joan Pérez de Lazarraga (1567)
7. Ürrütiko Kantorea Traditionnelle
8. Urruska Fandangoa Traditionnelle
9. Izan nüzü Prantzian Trad. / Juan Vásquez
10. Con amores, la mi madre Johannes de Antxieta (1462-1523)
11. Cantar de Urrejola J. P. de Lazarraga / Trad.
12. Gaiza Zenduan Lenizanok Trad. / Chanson anonyme
13. Ternuako porrue Traditionnelle
14. Acuerdo de Judimendi Chant liturgique Juif
15. Ave Sanctissima Maria Johannes de Antxieta
16. Koumis-Ezpatadantza Trad. / Tabassian
17. Hamar Manamenduiak Bernart Etxepare / Luis Alberto de Gómez (s. XVI)
18. Salve Regina Gonzalo Martínez de Bizkargi (1463-1528)
19. Sonata en Re Mateo Pérez de Albéniz (1755-1831)
20. Dianea Joan Pérez de Lazarraga (1567)
21. Barri Onak Dakart Mss. J.P. de Lazarraga / F. De Salinas (1513-1590)
22. Bralea Traditionnelle
23. Argizagi ederra Traditionnelle
Roy Harper es el tipo que forjó el sentimiento acústico de grandes músicos como Ian Anderson, Jimmy Page, Robert Plant o David Gilmour entre otros, el hombre que llevaba desde 1965 engrandeciendo la escena folk londinense e influyendo a quienes, al contrario que él, gozarían del éxito comercial. Si, Harper es el homenajeado del "Hats Off To (Roy) Harper" del "Led Zeppelin III" que publicaban los de Page y Plant en 1970, y es además la voz del "Have A Cigar" del "Wish You Were Here" de Pink Floyd de 1975. Pero es mucho más que eso, guitarrista excepcional, vocalista sublime y compositor genial con una carrera plagada de álbumes sorprendentes e incomprendidos.
En 1971 Roy Harper publicaba "Stormcock", su quinto álbum de estudio, culminación y consolidación de los anteriores, verdadera cima por aquel entonces de su desconocida carrera.
Stormcock es el quinto álbum de estudio del músico inglés de folk-rock Roy Harper, editado en 1971. Es generalmente reconocido como su “mejor disco”
El título del álbum, Stormcock, es un antiguo nombre inglés para el Zorzal Charlo. El macho de esta especie "...canta su fuerte y melodiosa canción desde los árboles, tejados u otros lugares elevados, usualmente a la noche o durante tormentas", acaso una metáfora perfecta del mismo Harper (quien no casualmente es un admirador de las aves y ha hecho referencias a varias de ellas en sus discos). El disco contiene cuatro canciones extensas que revelan los singulares talentos de Harper, tanto como compositor y como guitarrista. Adicionalmente, y tal vez más significativo, "..Stormcock...personificó un género híbrido que no tuvo otros proveedores exclusivos además de Harper — el acústico-épico-progresivo.".
"S. Flavius Mercurius" está acreditado en la primera guitarra en la canción "The Same Old Rock". Este guitarrista, mejor conocido como Jimmy Page, apareció bajo este seudónimo en los créditos del álbum por razones contractuales hasta la edición de la remasterización digital en 2007.
Cara A
"Hors d'œuvres" – 8:37
"The Same Old Rock" – 12:24
Cara B
"One Man Rock and Roll Band" – 7:23
"Me and My Woman" – 13:01
Roy Harper – Guitarra y Voz
S. Flavius Mercurius – Guitarra
David Bedford – Órgano Hammond y Arreglos orquestales
Peter Jenner – Productor
John Barrett – Ingeniero de sonido
Peter Bown – Ingeniero de sonido
John Leckie – Ingeniero de sonido
Phil McDonald – Ingeniero de sonido
Alan Parsons – Ingeniero de sonido
Nick Webb – Ingeniero de sonido
Richard Imrie – Fotografía
Pharoah Sanders, "Karma", que sencillamente es uno de los discos eternos en la historia de la música popular. Un disco de free jazz, espiritual y delicadamente permeable. Una auténtica celebración musical liderada por el maravilloso Pharoah, mano derecha de los Coltrane. Juntos y por separado han creado algunos de los discos inmortales y clásicos personales para tantos otros.
"El tercer disco de Pharoah Sanders como líder absoluto es uno que lo ha definido como músico hasta la actualidad. Después de la muerte de Coltrane hubo muchos artistas que estuvieron buscando hacer una música espiritual que abarcase sus propias ideas y anhelos mientras seguían evolucionando, pero nadie pudo dar con algo demasiado efectivo hasta que Sanders lo hizo en 1969. En Karma sólo hay dos temas, los 32 minutos de "The Creator Has a Master Plan" y los cinco minutos y medio de "Colours." El grupo es uno de los mejores de los que comandó Sanders, y cuenta con el vocalista Leon Thomas, el batería Billy Hart, Julius Watkins, James Spaulding, un Lonnie Liston Smith pre-funk, Richard Davis, Reggie Workman al bajo y Nathaniel Bettis en la percusión. "Creator" empieza con una cita de "A Love Supreme," un guiño a la continua influencia de Coltrane sobre Sanders. Pero también aparece algo más: el propio y profundo compromiso lírico de Sanders, y su ahora inherente conocimiento de las técnicas modales y de respiración orientales. Su habilidad para utilizar la técnica del ostinato no estaba intentando celebrar las melodías mientras el resto interpretaba los solos, sino que en realidad suponía una forma de empujar la música inconteniblemente hacia adelante. Manteniendo una gama sonora limitada (más o menos durante los primeros ocho minutos), Sanders explora todos los colores alrededor de las llaves clave, construyendo poco a poco las dinámicas del tema mientras la banda compone los dos acordes en segundo plano con diversos grados de inventivos timbres. Cuando Thomas se une a los nueve minutos, el tema comienza a abrirse. Su "yodel" libera al mismo mientras la sección rítmica inventa el sonido a su alrededor. A los 18 minutos la canción explota, apresurándose en una búsqueda del silencio con un enfoque tan profundo como ruidoso. Sanders emplea técnicas de microfonía y sopla apuntando al cielo, y Thomas grita. Están abandonando completamente el mundo material. Cuando llegan al siguiente plano, libres de las limitaciones modales y de los intervalos, emerge una nueva especie de lirismo, una que no depende del tiempo, sino del ritmo, y Thomas y Sanders aparecen como nada más que dos improvisadores en un universo sonoro rítmico de dimensión universal. No hay forma de describir la emoción que se siente cuando termina dicha melodía, excepto que "Colors", con Ron Carter uniéndose a Workman en el bajo, era la única canción que sería capaz de seguir a la primera. No podrás creértelo hasta que no escuches el disco."
-Por Thom Yurek para AllMusicGuide. Traducido por Frog2000 en facebook.
Post y descarga de"EL JARDEIN DE LAS DELICIAS PSICODELICAS"
¿casualidad? o ¿sincronia? este post de Coloraturas, mas beatles en esta ocasion por una gran dama de la opera como es la mezzosoprano estadounidense Cathy Berberian.
The Other Beatles Collection es un interesante proyecto de un grupo de blogeros españoles el autodenominado "Spañish Blogs Dream Team" consistente en reconstruir la discografia oficial de los Beatles a traves de versiones hechas por otros grupos.
Esta semana han sacado ya los tres primeros lps con sus versiones, os invito a escuchar este proyecto y de paso recordad a la banda mas famosa de todos los tiempos, asi como visitar a cada uno de estos estupendos blogs.
Trio es el nombre de un grupo musical alemán que se hizo famoso en 1982 durante la Neue Deutsche Welle, movimiento del cual pronto se distanciarían. Los primeros años, la música de Trio estuvo marcada por el minimalismo, que se manifestaba tanto en los textos como en la simplificación de la música a solo dos instrumentos: batería y guitarra. Su mayor éxito fue la canción Da da da , que les hizo internacionalmente conocidos y de la que vendieron 13 millones de ejemplares.
Formado por Gert Krawinkel a la guitarra,Peter Behrens a la bateria y Stephan Remmler como voz solista y ocasionalmente a los teclados.
El grupo tuvo un vida efimera pero lograron un exito internacional.
El fuerte del grupo residia en un directo con una puesta en escena meticulosamente planificada y en la que Remmler destacaba con sus habilidades de showman.
Este directo es prueba de ello.
Es de remarcar cómo Trio hacían su música con una carencia drástica de medios. Behrens solía tocar una batería muy simple, normalmente compases de 4/4 sin ningún tipo de fill-ins. Krawinkel se limitaba a repetir un ritmo de guitarra evitando los solos. Al limitar los medios al mínimo, el grupo se veía obligado a poner especial énfasis en los rasgos distintivos más característicos de los diversos estilos musicales que tocaban.
Casi sin excepción, la música era obra de Krawinkel y Remmler, y los textos en su práctica totalidad de Remmler. Peter Behrens sólo participó en la composición de dos temas. Trio tocaron tan solo unas pocas versiones de otros artistas. Todas las canciones tienen la misma estructura que las canciones de rock normales.
Los textos eran exiguos, especialmente en las canciones que se eligieron como sencillos. Por ejemplo, la letra de Anna – Lassmichrein lassmichraus consiste en la sucesión de cinco nombres propios más la frase Lass mich rein, lass mich raus ("déjame entrar, déjame salir"). Algunas canciones sí que tenían letras más largas. Remmler componía las letras tanto en alemán como en inglés, mezclando incluso ambos en la misma canción.
En lo que a la temática concierne, la mayor parte de las canciones hablan de relaciones amorosas fallidas. Sabine Sabine Sabine' (véase la sección "Numerología") carece directamente de una letra al uso y en ella simplemente se reproduce una conversación telefónica con una ex-novia.
Su gran exito Da da da.
La cancion fue compuesta mientras estaban de gira dando a conocer su primer album, salio como sencillo que en ediciones internacionales se añadiria al primer LP.
Maya Mijáilovna Plisétskaya (Nombre de nacimiento Maya Plisétskaya Messerer) (en ruso: Майя Михайловна Плисецкая Moscú, 20 de noviembre de 1925 - 2 de mayo de 20151 ) fue una bailarina de ballet rusa, a la que en 1993 se le concedió la ciudadanía española.
Uno de los símbolos indiscutibles de la danza clásica, fue la prima ballerina assoluta de una generación que incluyó a Margot Fonteyn, Alicia Alonso e Yvette Chauviré.
Poseedora de un soberbio port-des-bras, su interpretación del doble rol de Odette–Odile en El lago de los cisnes así como de la Muerte del cisne son vistas por algunos como «definitivas». Asimismo ha sido una incomparable intérprete de Kitri en Don Quijote, La noche de Valpurgis y Raymonda. En cambio, muy esporádicas sus actuaciones como Giselle y Aurora de La bella durmiente.
Una de las pioneras de la danza moderna en Rusia fue aclamada en el ballet Carmen Suite con coreografía del cubano Alberto Alonso, hermano de Fernando Alonso, y en la coreografía de Maurice Béjart del Bolero de Ravel de Ravel.
Entre los reconocimientos que ha recibido destacan:
Artista del pueblo de la URSS (1959)
Anna Pávlova de París (1962)
Premio Lenin (1964)
Distinción de Héroe del Trabajo Socialista (1985)
Legión de Honor de Francia (1986)
Medalla de Oro de las Bellas Artes de España (1991)
Medalla al Servicio de Rusia en dos ocasiones (1995 y 2000)
Praemium Imperiale de Japón (2006)
Premio Príncipe de Asturias de las Artes (2005)
Doctora honoris causa por las Universidades Lomonósov de Moscú y la Sorbona de París.
Benjamin Earl Nelson (Henderson, Carolina del Norte, 28 de septiembre de 1938 - Hackensack, Nueva Jersey, 30 de abril de 2015),1 2 más conocido como Ben E. King, fue un cantante estadounidense de soul y pop.
Especialmente famoso en los años sesenta, era el intérprete de la versión más conocida de «Stand by Me» (de la que era coautor con los productores Jerry Leiber y Mike Stoller), un éxito en los Estados Unidos en 1961 y 1986, y en el Reino Unido en 1987.
El grupo nació en 1974, cuando España necesitaba un cambio en la música. Dos sevillanos, Jesús de la Rosa y Eduardo Rodríguez, pensaron en formar un grupo que cambiase esta uniformidad en la música. Pensaron en Juan José Palacios "Tele" para componer el grupo con el nombre del barrio sevillano, "TRIANA". Fundaron dicho grupo y con él, un nuevo estilo musica, el "Rock Andaluz".
A finales de 1975 sacaron su primer album denominado "EL PATIO". No tuvo demasiado éxito debido a la poca publicidad y mala distribución que tuvo el quizás mejor disco de TRIANA. En 1977 lanzaron al mercado
"HIJOS DEL AGOBIO" que tuvo mucho éxito. Tanto fue, que lo consideraron mejor disco y mejor grupo latino del año; además, este éxito acarreó consigo el primer disco. En 1978 sacó su tercera obra "SOMBRA Y LUZ", que mantuvo el éxito anterior. TRIANA hacía eco entre los más jóvenes vendiendo 300 000 copias, consiguiendo tres discos de platino.
En 1980 tras tres grandes álbumes -El Patio, Hijos del Agobio y Sombra y Luz-, el grupo entra en una crisis producida por el éxito y la fama, entrando en una fase diferente, intimista y simple, adentrándose en el pop. En dicho año lanzó su cuarto disco, "UN ENCUENTRO", que aunque fue muy exitosa su canción "Tu frialdad", perdió calidad respecto a los discos anteriores. En 1981, TRIANA sacó su penúltimo album, "TRIANA", que pasó la peor época del conjunto. La música del grupo sufrió una variación y los fans se vieron decepcionados. En este mismo año, TRIANA lanzó al mercado su único disco en directo: "TRIANA en directo" grabado en el Parque de Atracciones de Madrid. Es un disco bueno aunque con los desperfectos normales del directo y que el avance de hoy puede remediar al pasarlo a disco. Es la primera grabación en directo que se produce en España, estuvo poco tiempo en el mercado y se puede decir que es pieza de coleccionista.
Pero no fue el fin del grupo, ya que en 1983 el grupo lanzó su último disco "...LLEGÓ EL DÍA" en el que empezó a verse TRIANA en sus comienzos. Se preveía que sería una transición a otro disco. Pero este disco esperado nunca llegó a causa del fallecimiento del líder del grupo, Jesús de la Rosa.
Volvemos con un disco de esos que dan sentido al blog, discos casi olvidados en el tiempo pero rescatados por obra y gracia de internet y los blogeros que lo alimentan.
Tormrerclaus es un disco que destaca sobre todo por la utilización de violines y violonchelos electrificados, en una base rock que le da un toque de originalidad y un plus en la ejecución de las canciones de estilo blues/rock.
Algunas sobresalientes como esta.
El álbum de Ellos es mas vendido en inglés de Todos Los Tiempos, 10 Millones de ventas con Todo El Mundo en coplas. También Es El álbum de Todos Los Tiempos Más vendido En Francia estafadores MAS 4,4 Millones de de Copias Vendidas.
Fue el álbum escrito por el cantante y Producido francesa Populares y compositor Jean-Jacques Goldman. De Ellos solteros Éxito INCLUYE "Así que los racimos todavÃa me" "No lo corté". Una canción Llamada "Fly" FUE Dedicado Karine Como habia Tiene la sobrina Dion muerto quística de la fibrosis. Estós muy Temas Were Grabados Posteriormente Inglés en Como "Eso Es lo Necesita ser así", "no sé" y "Fly", respectivamente, y En el próximo álbum INCLUYEN Dion Falling Into You.
Hard Rock del bueno a cargo de esta banda canadiense formada por Randy Bachman ex -Guess Who , este es su mejor disco y el que mas exito les dio publicado en 1974 , todas las canciones estan a un gran nivel , mi preferida la que da nombre al disco .
A disfrutar.
Volvemos con canciones clásicas, esta vez con una composición de esos dos monstruos como son Norman Whitfield y Barrett Strong y su "Papa was a Rolling Stone".
La cancion fue gravada por primera vez en 1971 por el grupo The Undisputed Truth , y lanzada como sencillo en 1972 llegando al numero 63 en las listas de popularidad y al numero 23 en las de R&B.
vamos a escucharla.
Pero el perfeccionista de Whitfield , no queda satisfecho y retoma la canción ese mismo año ,pero la reisnterpreta comenzando con una introducción instrumental extendido (03:53 de longitud), cada uno de tres versos de la canción se separa por pasajes musicales extendidas, en el que Whitfield trae varias texturas instrumentales dentro y fuera de la mezcla. Arranca con un solo de bajo guitarra a parte, respaldado por platillos hi-hat , tambores, establece el tema musical, una figura simple de tres notas; el bajo se une gradualmente por otros instrumentos, incluyendo una guitarra blues ,guitarra wah-wah , piano Wurlitzer , aplausos, cuernos y cuerdas ; todos están vinculados entre sí por el omnipresente línea de bajo y la repetición rítmica de charles. Una cosa muy inusual en esta canción es que utiliza solamente una fibra sensible en toda la canción entera - si bemol menor .
"Papa Was a Rollin 'Stone" de The Temptations, que fue un número uno en el Billboard Hot 100 y ganó tres premios Grammy en 1973. Mientras que la versión original de Undisputed Truth de la canción ha sido olvidada en gran parte, la versión de la canción de The Temptations ha sido un clásico soul duradero e influyente. Este ocupo el puesto #168 en la lista de Rolling Stone de las 500 mejores canciones de todos los tiempos, una de las tres canciones del grupo en la lista. En retrospectiva, Otis Williams de The Temptations considera a "Papá" a ser el último clásico real que el grupo grabó.
Curiosamente durante la grabación de la canción hubo muchas fricciones entre los Temptations y Whitfield, por el enfasis que utilizaba el productor en la instrumentalización y lo poco que al parecer de los Temptations se fijaba en la parte vocal, y los desacuerdos en los tonos de la voces.
" Incienso y Peppermints " fue el primer LP lanzado por la banda y el único álbum de su carrera para hacer un impacto en las listas de álbumes . Alcanzó el número 11 a nivel nacional. El LP contiene el # 1 " Incienso Y Peppermints , " nacional hit escrito por miembros de Mark Weitz y Ed King con letra de John Carter . La canción fue cantada por un amigo de la banda , Greg Munford , que estaba en las formas de sonido y más tarde Crystal Circus. También en el LP es Steve Bartek , quien co - escribió muchas de las canciones con George Bunnell y toca la flauta en algunas pistas . Una excelente LP con gran juego y armonías celestiales
Un gran debut , un clasico de la psycodelia de la costa oeste .
El 21 de septiembre 1875, al morir Josefa, su hija recién nacida, Dvořák emprendió la composición de su Stabat Mater. Escribió una versión para cuatro solistas, coro y piano de la partitura entre el 19 de febrero y el 7 de mayo de 1876.2 Fue dedicada a František Hušpauer «Como un recuerdo al amigo de su juventud». Sin embargo, Dvořák se vio obligado a posponer la orquestación de la obra, debido a sus otras obligaciones. Regresó a la composición de la partitura en 1877, cuando sus dos hijos sobrevivientes murieron consecutivamente. La versión orquestal de la partitura fue escrita entre principios de octubre y 13 de noviembre de 1877 en Praga.
Stabat Mater es la primera obra de Dvořák con tema religioso. Se divide en diez partes individuales. Desde un punto de vista musical, sólo la primera y la última parte están temáticamente relacionadas.1
La primera representación del Stabat Mater de Dvořák tuvo lugar el 23 de diciembre 1880 en el concierto de la Jednota umělců hudebních (Asociación de Artistas Musicales) en Praga. Los intérpretes incluyeron el conjunto de ópera del České prozatímní divadlo (Teatro Provisional Checa), bajo la batuta del director Adolf Čech, con los solistas Eleanora Ehrenbergů, Fibich Betty, Vávra Antonín y Čech Karel. El compositor Leoš Janáček dirigió la obra un año y medio después, el 2 de abril de 1882, en Brno. Poco después se estrenó en el extranjero (Budapest, Londres).1
La cantata se publicó en partitura completa y las secciones y partitura de piano y vocales (en arreglo por el Dr. Josef Zubatý) por la editorial alemana N. Simrock en 1881. Como en otras de sus obras, en esta ocasión Dvořák también cambió el número de opus.
El primer movimiento es una sonata de forma prolongada en el estilo sinfónico. La obra abre con una larga introducción orquestal, en si menor. Dvořák tuvo en cuenta que en la música barroca, si menor fue considerada como la tonalidad del sufrimiento pasivo. El tema de la introducción orquestal lo repite el coro. Un segundo tema que contrasta con el anterior es introducido por los solistas y el coro. Una sección de desarrollo conduce a la reexposición del material de apertura.
El monumental primer movimiento es probablemente lo mejor de la obra , de gran belleza y dramatismo.
La Pasión según San Juan, BWV 245 (título original en latín: Passio secundum Johannem; en alemán: Johannespassion; en inglés: St. John Passion) es una pasión oratórica escrita para voces solistas, coro y orquesta .
Fue escrita en las fechas previas al Viernes Santo de 1724, y está basada en los capítulos 18 y 19 del Evangelio de Juan. Las palabras de la apertura, las arias, los recitativos y los corales se tomaron de diferentes fuentes, entre otras, de la Pasión según San Mateo y de la traducción que Martín Lutero había hecho de la Biblia.
Uno de los discos mejor valorados de Gong y uno de los imprescindibles del rock progresivo con momentos realmente sublimes, en homenaje al recientemente fallecido Daevid Allen.
En 1960, viajó a París, inspirado por los escritores de la Generación Beat, a los que había descubierto mientras trabajaba en una librería de Melbourne. Se alojó en el Beat Hotel, ocupando una habitación que acababan de dejar libre Allen Ginsberg y Peter Orlovsky. Mientras se ganaba la vida vendiendo el International Herald Tribune por Le Chat qui Peche y el Barrio Latino, conoció a Terry Riley y visitó los club de jazz de la zona. Tras conocer a William S. Burroughs, e inspirándose en la filosofía de Sun Ra, fundó un grupo de free jazz, el Daevid Allen Trio, y representó en el teatro de Burroughs piezas dramática inspiradas en la novela de éste El billete que explotó.
Allen viajó luego a Inglaterra y alquiló una habitación en Canterbury. Conoció allí al hijo de dieciséis años de su casero, Robert Wyatt, con quien amistó inmediatamente. Junto a Kevin Ayers y Mike Ratledge, fundaron en 1966 el grupo Soft Machine.
Tras una gira por Europa, las autoridades inglesas se negaron a admitir de nuevo a Allen en el Reino Unido alegando que había sobrepasado el tiempo concedido durante su estancia anterior. Se estableció en París y participó en las protestas de mayo del 68. Aunque otros manifestantes se reían de él por su aspecto de beatnik, Allen se lo pasó en grande ofreciendo ositos de peluche a la policía y recitando poesía en una mezcla de francés e inglés.
Huyendo de la policía, fue a parar a Deyá, en Mallorca, junto a su pareja, Gilli Smyth. Allí publicó en 1969 el primer disco de Gong, titulado Magick Brother. En él participa el flautista Didier Malherbe, a quien Allen y Smith encontraron, según cuentan, viviendo en una cueva en la finca de Robert Graves.
En 1970, Allen grabó y publicó su primer disco en solitario, Banana Moon, con colaboraciones de Robert Wyatt y otros músicos de la escena de Canterbury.
En 1971 Gong publicó Camembert Electrique. En esa época, los componentes del grupo vivían en Francia, en una suerte de comuna anarquista rural. En 1972 entraron en el grupo el teclista Tim Blake y el guitarrista Steve Hillage, que participaron en la trilogía de Radio Gnomo, formada por los discos Flying Teapot, Angel's Egg and You.
Allen abandonó el grupo y grabó dos discos en solitario, Good Morning (1976) y Now Is The Happiest Time Of Your Life (1977). En 1977 actuó y grabó un disco utilizando el nombre de Planet Gong, y reunió a la primera formación de Gong para una actuación única en el Hipódromo de París. Parte de este concierto (que duró varias horas) se editó en un LP doble, Gong Est Mort? Vive Gong.
En 1980 Allen trabajó en equipo con Bill Laswell en el grupo New York Gong, influido por el punk. El grupo editó un LP, About Time. Lo siguieron varios proyectos, con nombres como Invisible Opera Company Of Tibet, Brainville, Ex y Magic Brothers.
En 1981 Allen volvió a Australia y se estableció en Byron Bay, donde continuó su actividad artística, realizando performances y recitales poéticos. Junto al artista de perfomance David Tolley, investigó las posibilidades de los loops y las cajas de ritmos. Actualmente participa en un proyecto llamado you'N'gong (juego de palabras con «Young Gong») junto a su hijo Orlando y miembros de Acid Mothers Temple, actuando con el nombre de Acid Mothers Gong. También realiza actuaciones con un grupo dedicado a la improvisación, Guru And Zero.
Durante muchos años ya, Daevid Allen ha sido miembro de la University of Errors, que ha editado cuatro discos, y de la banda de jazz rock Brainville 3. También ha grabado con Spirits Burning, un supergrupo de space rock formado por Alan Davey, Bridget Wishart, Karl E. H. Seigfried y Simon House. Junto a la Big City Orchestra, grupo noise que ha editado una media docena de discos, Allen ha realizado algunos de sus propuestas más experimentales.
En noviembre de 2006 se celebró en Ámsterdam una reunión de la familia Gong, en la que participaron muchos miembros de la formación clásica del grupo. En junio de 2008, una versión remozada de Gong dio varios conciertos en Londres, con Allen, Gilli Smyth, Steve Hillage, Miquette Giraudy y Mike Howlett.
Paralelamente a la coleccion Joan Chamorro presenta ( Andrea Motis 2009, Eva Fernandez 2012 ,Magali Datzira 2013 i Rita Payes 2014 ) he iniciado este nuevo proyecto en el cual la voz es la protagonista principal; para esta primer trabajo he querido de alguna manera unir en un mismo escenario a estas cuatro artistas, cantantes e instrumentistas paralelamente y he contado, como ya es habitual en mis trabajos de los ultimos años, con un grupo de increibles musicos que consiguen con su manera de tocar y de ser, extraer lo mejor de nosotros; Ignasi Terraza al piano y al órgano, Josep Traver a las guitarras y Esteve Pi a la batería .
Para varios de los arreglos he contado con el gran pianista y arreglista : Joan Monne, asiduo colaborador nuestro . Sus arreglos instrumentales, pero sobre todo los vocales han hecho trabajar mucho a las jovenes cantantes, y estoy convencido que el reto que suponia llevar a buen puerto estos arreglos, las ha hecho crecer como vocalistas.
LA MAGIA DE LA VEU, en esta ocasion rinde tributo a 4 grandes cantantes y lo hace a traves de las voces ya citadas : Magali ( Billie Holiday ) Eva ( Dinah Washinton ) , Andrea ( ( Sarah Vaughan ) y Rita ( Ella Fitzgeralt ). y lo hacen utilizando canciones que solian formar parte de su repertorio.
es mi deseo , para aquellas personas que no conocian el jazz vocal que atraves de este trabajo y de estas jovenes voces sientan curiosidad y empieces un camino de descubrimiento de lo que puede ser una fuente de placer inmensa: Billie, Ella, Dinah, Sarah y otras voces tanto masculinas como femeninas les estan esperando.
El disco que Juan Carlos Calderon consideraba como el de mejor factura, es un disco arriesgado que mezcla el flamenco el jazz y el rock, con invitados de lujo como Enrique Morente. El compositor, cantante, músico y arreglista cántabro Juan Carlos Calderón, conocido por ser el arreglista de muchos temas eurovisivos, entre otros, como "Eres Tu" de Mocedades, "Tú Volverás" de Sergio y Estíbaliz y "La, La, La" de Massiel, esta ultima ganadora en 1968 de Eurovisión, animado quizás por el boom del rock andaluz o del espíritu fusionador que se vivia en aquellos finales de los 70's, compuso un trabajo titulado "SOLEÁ" (1978) donde el propósito final era fusionar el flamenco y el jazz pero que además se puede oír en un par o tres de temas Rock Andaluz al mas puro estilo. Dicen que el álbum fue grabado en directo en un concierto en el Centro Cultural de la Villa de Madrid donde Juan Carlos Calderón contaba con el cantaor granadino Enrique Morente y los "zapateaos" los ponía el bailaor Goyo Montero. Tan solo consta de cinco temas este disco, el primero de ellos "Siguiriya" comienza con un toque morisco, escuchándose de fondo unos "zapateaos" que deben corresponder al bailaor Goyo Montero, para dar paso a un largo intermedio donde el protagonista es el cante jondo de Enrique Morente acompañado tan solo de un sintetizador de fondo, seguidamente tenemos los momentos instrumentales mas típicos del Rock Andaluz (a lo Alameda, Dolores, ...) que incluye sección de vientos tornándose en ocasiones orquestado en algunas fases... el tema acaba como comienza con ese toque morisco.
Introducción - Soleá es un tema algo experimental y vanguardista donde aparecen junto a los toques de rock andaluz, aires jazzeros, no olvidemos que Juan Carlos Calderón se movía por esos derroteros, en fracciones de segundo vuelve aparecer Enrique Morente al cante como fondo.
El tema "ORACIÓN" es un tema fusionador del jazz y el flamenco, en esta ocasión en tono tranquilo y sosegado con la aparición momentánea de una cantante femenina
"Vuelo Chicago-Madrid-Chicago" fusiona el "sonido Philadelphia" con el jazz y el flamenco...
"Colombiana para un niño sin parque".. experimenta fusionando el jazz con las colombianas añadiéndole un pequeño relato hablado y un meritorio solo de guitarra.
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